Datos de la Artista
Nombre completo: María Plakhova
Nacionalidad: Rusia.
Año de nacimiento:18 de mayo de 1923 en el asentamiento de Samara, distrito de Zemlyansk, provincia de Voronezh en Rusia.
Año de muerte: 2007, Benidorm, España.
Estilo: Realismo. Impresionismo.
María Plakhova
María Plakhova (1924-2007)
Es miembro de la Asociación de Pintores de Rusia y Miembro del Fondo Artístico Internacional de Rusia.
Nació y recibió su educación artística en Rusia. Desde 1953 participa en las exposiciones nacionales. Su primera exposición personal tuvo lugar en Voronezh en 1959 donde también fue presidente de la unión de pintores. Participó en varias de las expediciones oceanologicas de la Academia de Ciencias de Rusia.
Muchos de sus trabajos se encuentran repartidos en los museos Rusos y en colecciones particulares del mundo
Autor: María Plakhova
Título original: "Venezia 1997"
Título (inglés): "Venezia 1997"
Estilo: Pasaje urbano
Medidas: 81x65 cm
Técnica: Óleo sobre Lienzo
Soporte: Cartón
Año: 1997
Cuadros de Plakhova
Sus obras, sean paisajes, retratos o cuadros de género, buscan como lo esencial la veracidad de lo plasmado, principio de observación, vivo movimiento del pincel.
Los bocetos “En el Don” con sus imágenes del río al amanecer y anochecer, coloridos dorados del agua y cielo, pequeña lancha perdida en la superficie del gran río, terminan formando un cuadro maduro que posteriormente aparece en las más prestigiosas exposiciones moscovitas. “El Anochecer en el Don” forma parte de la exposición de la principal sala de exposiciones de Moscú y está adquirido por el Fondo del Ministerio de Cultura de Rusia.
"Venezia 1997"
La obra presentada es una interpretación artística al óleo de un paisaje urbano de Venecia, conocido por sus canales históricos y su arquitectura distintiva. La pintura mide 961x768 mm y parece ser una representación de la icónica Basílica de San Marcos y su entorno, aunque capturada a través de un estilo impresionista que favorece la atmósfera y la impresión general sobre los detalles precisos.
El artista ha utilizado una paleta de azules, blancos y toques de rosado para capturar la esencia luminosa y acuática de Venecia. La luz parece reflejarse en las superficies del agua, de los edificios y del cielo, creando un efecto resplandeciente que es tanto realista como etéreo. Las pinceladas son sueltas y fluidas, lo que otorga a la escena una cualidad dinámica y vibrante.
En primer plano, se aprecian varias góndolas, su presencia sugerida más que detallada, flotando sobre el reflejo de la luz en el agua. Los gondoleros y los pasajeros están implícitos en la forma y el movimiento de las pinceladas. La arquitectura de la Basílica se alza majestuosa en el fondo, con sus cúpulas y arcos característicos, aunque la representación es más una evocación que una reproducción literal.
El cielo sobre la ciudad es una mezcla de nubes en movimiento, capturando la luz cambiante que es tan característica de la atmósfera veneciana. La firma del artista, ubicada en la esquina inferior derecha, brinda un sello de autenticidad y personalidad a la obra.
Esta pintura es un testimonio del encanto atemporal de Venecia, interpretado a través de los ojos de un artista que privilegia la emoción y la sensación sobre la representación exacta. Sería una pieza destacada en cualquier colección de arte, especialmente apreciada por aquellos que valoran las representaciones expresivas de paisajes urbanos históricos.
Autor: María Plakhova
Título original: "El Pañueo Ruso 1990"
Título (inglés): "The Russian handkerchief 1990"
Estilo: Tapestry Visual
Medidas: 79x79 cm
Técnica: Óleo sobre Lienzo
Soporte: Lienzo
Año: 1978
"El Pañuelo Ruso 1990"
Esta pintura de Plakhova es una obra vibrante y fantasiosa, casi de naturaleza onírica, que parece celebrar la cultura y arquitectura rusa dentro de un marco que recuerda a una alfombra o tapiz con bordes decorativos. La escena está enmarcada por un borde ornamental con patrones geométricos y colores que varían desde el naranja hasta el verde y el azul.
Dentro de este marco, la composición es dividida en dos mitades principales. La mitad superior muestra una escena nocturna, con un cielo azul oscuro donde se destacan dos fases de la luna y aves blancas en vuelo, sugiriendo libertad y movimiento. Esta parte parece una vista desde la distancia de un paisaje marítimo, donde el agua refleja las tonalidades del cielo y las velas de barcos sugieren actividad y navegación.
La mitad inferior es más terrenal y está poblada con figuras y estructuras que evocan la vida diaria y la espiritualidad. A la izquierda, una iglesia con cúpulas verdes y doradas ocupa un lugar prominente, mientras que a la derecha, una construcción más alta y de color rosa con cúpulas negras se alza. Entre estas dos estructuras, hay una plataforma donde figuras humanas parecen interactuar alrededor de una mesa, algunas de pie y otras sentadas, en lo que podría ser una escena de mercado o un encuentro social.
En el primer plano, varias figuras humanas están representadas en actividades variadas: hay quienes caminan y quienes parecen danzar, y también hay objetos que podrían ser interpretados como mercancías o tal vez instrumentos musicales, lo que añade un sentido de vida cotidiana y celebración.
El estilo de la pintura es expresionista, con pinceladas gruesas y la aplicación liberal de la pintura que crea textura en la superficie del lienzo. Los colores son ricos y saturados, con una preferencia por tonos primarios que aportan una calidad vibrante y energética a la escena.
La obra es un tapestry visual que parece contar una historia, invitando al espectador a interpretar las múltiples narrativas que podrían estar ocurriendo simultáneamente en este espacio estilizado y colorido.
Autor: María Plakhova
Título original: "Las Flores de Primavera"
Título (inglés): "Spring Flowers"
Estilo: Bodegón
Medidas: 60x81 cm
Técnica: Óleo sobre Lienzo
Soporte: Lienzo
Año: 1952
"Las Flores de Primavera"
Esta imagen muestra una pintura al óleo de naturaleza muerta, rica en texturas y vibrantes en colorido. La composición se centra en dos arreglos florales, cada uno en su propio recipiente, sobre una superficie que sugiere una mesa o un banco.
El arreglo de la izquierda está contenido en un jarrón blanco de aspecto cerámico con toques de azul claro, que le dan una sensación de volumen y profundidad. En él, una mezcla de flores y capullos, posiblemente orquídeas o flores silvestres, con pétalos de tonos magenta, violeta, blancos y toques de verde azulado, se elevan y se esparcen de manera despreocupada.
El arreglo de la derecha, más prominente en tamaño y color, muestra lo que parecen ser narcisos amarillos intensos. Estos están contenidos en un jarrón de vidrio verde oscuro con reflejos brillantes que sugieren la incidencia de la luz. Las flores amarillas, con su textura gruesa de pinceladas, contrastan vigorosamente contra el fondo gris azulado y transmiten una sensación de luz y energía.
El fondo es abstracto, con pinceladas en tonos de gris, azul y toques de verde, creando una atmósfera tranquila que no compite con los vivos colores de los arreglos florales. La superficie donde descansan los jarrones tiene reflejos y sombras que sugieren un material liso, tal vez una tela o una mesa barnizada, con pliegues suaves y un juego sutil de luz y sombra.
La técnica de pinceladas es suelta y expresiva, típica del impresionismo, donde la mezcla de colores se realiza en gran parte en el lienzo más que en la paleta, lo que permite que los tonos se entremezclen y den una sensación de vibrante movimiento. La paleta de colores es rica y variada, con un equilibrio entre los tonos cálidos de las flores y los tonos fríos del fondo y del recipiente de vidrio.
Autor: María Plakhova
Título original: "Catedral de san Basilio"
Título (inglés): "San Basilio´s cathedral"
Estilo: Paisaje Urbano
Medidas: 73x60 cm
Técnica: Óleo sobre Lienzo
Soporte: Lienzo
Año: 1994
"Catedral de San Basílio"
La imagen muestra una pintura al óleo que captura con vivacidad la icónica Catedral de San Basilio en Moscú. La obra se caracteriza por su estilo expresionista, donde las pinceladas audaces y la rica textura son prominentes, evocando la energía y el movimiento.
Mary Plakhova ha interpretado este famoso monumento arquitectónico con una paleta de colores que oscila entre tonos terrosos y una gama de rojos, verdes y dorados que reflejan las cúpulas bulbosas y decorativas de la catedral. El uso de la luz y la sombra es dramático, resaltando las formas únicas y la ornamentación del edificio.
El cielo detrás de la catedral es una mezcla de azules, grises y blancos, sugiriendo un cielo vasto y cambiante que podría representar el clima impredecible de Moscú. Estos colores contrastan con la calidez de la estructura, haciendo que la catedral se destaque aún más como el foco central de la composición.
La técnica del óleo es palpable en la textura que se puede ver en la superficie de la pintura, donde la artista ha aplicado generosas cantidades de pintura para construir la imagen. Esta técnica no solo agrega una dimensión táctil a la obra, sino que también enfatiza la naturaleza artesanal del proceso de pintura.
La obra está firmada por María en la esquina inferior derecha, lo que proporciona un toque de autenticidad y personalización. La pintura, sin duda, sería un punto de interés en cualquier colección de arte, atrayendo a aquellos fascinados por la historia, la arquitectura y las representaciones artísticas de sitios del patrimonio mundial.
Autor: María Plakhova
Título original: "Los Fuegos sobre el Pueblo. Bongú"
Título (inglés): "The Fires over the Village of Bongu"
Estilo: Paisaje
Medidas: 80x60 cm
Técnica: Óleo sobre Lienzo
Soporte: Lienzo
Año: 1992
"Los Fuegos sobre el Pueblo Bongú"
En la escena, las palmeras se elevan hacia un cielo alborotado, pintado con tonos azules, rosas y toques de blanco, lo que sugiere que podría ser el amanecer o el atardecer. Las hojas de las palmeras se representan con trazos oscuros y deliberados que resaltan contra el cielo más claro, creando una sensación de viento y movimiento.
La parte inferior de la pintura muestra estructuras que parecen ser chozas o cabañas con techos cónicos, típicos de algunas culturas tropicales. Están pintadas con tonos blancos, grises y toques de colores más oscuros que sugieren la sombra y la estructura de las construcciones.
Lo más llamativo es el fuego que parece arder en el centro de la escena, con llamas que se extienden hacia el cielo, pintadas con rojos vibrantes, amarillos y naranjas. Alrededor del fuego, figuras humanas diminutas pueden estar bailando o moviéndose, lo que aporta una sensación de comunidad y festividad.
El suelo del pueblo está delineado con colores cálidos que reflejan la luz del fuego, y las sombras de las figuras y las palmeras se proyectan sobre él, añadiendo profundidad y perspectiva a la escena. El uso de la luz en esta pintura es notable; el artista ha utilizado contrastes de luz y sombra para crear un sentido de tiempo y lugar que es tanto específico como atemporal.
La pieza en su conjunto es un estallido de actividad y color que captura un momento de alegría y energía dentro de la vida del pueblo representado y pertenece a la colección de pinturas que realizó María Plakhova durante la expedición a Oceanía del año 1977.
Autor: María Plakhova
Título original: "Las Plañideras de Rusia 1998"
Título (inglés): "The Mourners of Russia
Estilo: Retrato
Medidas: 92x73 cm
Técnica: Óleo sobre Lienzo
Soporte: Lienzo
Año: 1998
"Las Plañideras de Rusia 1998"
Esta pintura es intensamente expresiva, caracterizada por una paleta de colores oscuros y una técnica que parece fusionar la figura con el fondo, creando una sensación de turbulencia emocional. Las figuras humanas son el foco central, representadas con una calidad casi escultórica que se destacan las texturasen el lienzo.
Las dos figuras parecen estar en movimiento, con sus contornos y facciones definidos por las pinceladas gruesas y el uso de la luz y la sombra más que por líneas claras. El uso del color es limitado, predominando los marrones, negros y grises con toques ocasionales de blanco y tonos tierra que añaden profundidad y contraste.
El fondo es abstracto, mezclándose con las figuras, lo que hace difícil discernir dónde termina una y comienza el otro. Hay elementos que parecen ser velas o luces en la parte superior, que proporcionan pequeñas notas de color en un entorno de otra manera sombrío. Esto podría sugerir una escena nocturna o un interior iluminado de manera tenue.
La textura de la pintura es notable, con la pintura aplicada en capas que aportan una densidad táctil. Es posible que el artista haya utilizado la técnica de impasto, donde la pintura se aplica de manera tan gruesa que las marcas del pincel o espátula son claramente visibles, creando una superficie que casi invita a ser tocada.
La expresión de las figuras es enigmática; sus rostros están inclinados y las bocas ligeramente abiertas, como si estuvieran en medio de un canto o grito, lo que añade un elemento dramático a la obra. La dinámica entre las dos figuras es central y parece capturar un momento de intensidad emocional o espiritual.
La obra transmite una sensación de lucha interna o pasión, capturando un momento que está cargado de energía y que parece estar al borde de la resolución o la catarsis.
Autor: María Plakhova
Título original: "El Pañuelo Ruso"
Título (inglés): "The Russian handkerchief
Estilo: Tapestry visual
Medidas: 81x81 cm
Técnica: Óleo sobre Lienzo
Soporte: Lienzo
Año: 1998
"El Pañuelo Ruso"
La imagen muestra una obra al óleo que parece representar una escena de cuento de hadas ambientada en Rusia, titulada "El Pañuelo Ruso". La pintura, cargada de colores y energía, se enmarca en un estilo que recuerda al expresionismo o al arte naïf, donde la perspectiva tradicional y el realismo se desplazan en favor de una representación más emocional y simbólica.
En el centro de la composición, la atención se centra en una serie de cúpulas y torres que parecen evocar las de la Catedral de San Basilio en Moscú, con sus formas bulbosas y colores variados. Estas estructuras se elevan sobre lo que parece ser un cuerpo de agua, posiblemente un río o lago, sobre el cual navegan barcos con velas infladas, dando la sensación de movimiento y actividad.
La escena se completa con figuras humanas en varias actividades: algunas parecen interactuar en primer plano, mientras que otras están posadas en los tejados, aportando vida y una escala humana al conjunto. El uso de colores vivos y contrastes para las figuras y la arquitectura crea una atmósfera vibrante y festiva.
El marco dentro del cuadro, decorado con motivos geométricos y colores que complementan la escena central, funciona como un pañuelo que envuelve la narrativa, sugiriendo que la imagen podría ser una vista a través de un pañuelo tradicional ruso, o bien, una representación metafórica del patrimonio cultural ruso.
La paleta de colores, la temática y la técnica de la obra la hacen adecuada para coleccionistas y entusiastas del arte interesados en piezas que reflejan la cultura y el folklore ruso con una perspectiva única y personalizada.
Autor: María Plakhova
Título original: "Boris Godunov. Catedral"
Título (inglés): "Boris Godunov. Cathedral"
Estilo: Pasaje Urbano
Medidas: 80x80 cm
Técnica: Óleo sobre Lienzo
Soporte: Lienzo
Año: 1999
"Boris Godunov. Catedral"
La obra es una pintura al óleo que ofrece una visión impresionista probablemente inspirada en la arquitectura histórica de la Catedral de la Asunción en el Kremlin de Moscú, dada la prominencia de las cúpulas doradas.
Las cúpulas de la catedral capturan la luz, reflejándola en tonos que van del dorado al cobrizo, lo que sugiere la grandeza y el carácter sagrado del edificio. Estas estructuras brillantes se elevan sobre las paredes blancas y robustas de la iglesia, que están iluminadas por la luz que se filtra a través de las nubes o la neblina, creando una atmósfera etérea.
El uso de la luz es una característica distintiva de la pintura, con rayos que parecen emanar de las puertas y ventanas, invocando una sensación de misticismo y reverencia. Las figuras humanas, vestidas de manera tradicional, se mueven por el espacio abierto frente a la catedral, añadiendo escala y vida a la escena.
La técnica del artista es libre y expresiva, con pinceladas audaces y rápidas que no buscan definir con precisión sino capturar la esencia y la atmósfera del lugar. La paleta de colores es limitada pero eficaz, utilizando contrastes de claros y oscuros para resaltar la arquitectura y la actividad humana.
Esta pintura sería altamente apreciada por aquellos que valoran la interpretación artística de la arquitectura histórica y los lugares de importancia cultural, así como por los amantes del estilo impresionista que buscan capturar la luz y la emoción en sus colecciones.